Perfektion loslassen: Was die abstrakte Kunst mich gelehrt hat

Die meiste Zeit meines Lebens dachte ich, dass „mehr tun“ auch „besser sein“ bedeutet.

Ich bin in einer Familie aufgewachsen, in der Exzellenz erwartet wurde – nicht auf eine harsche oder kritische Weise, sondern als ein stiller, beharrlicher Unterstrom. Die Art von unausgesprochenem Druck, der einen sanft, aber bestimmt dazu bringt, immer weiter zu gehen, sich immer zu verbessern, immer mehr zu tun. Ich verinnerlichte das früh. Und es folgte mir, still, durch die Schule, durch das Erwachsenenalter, durch alle Rollen, die ich zu erfüllen versuchte.

Es prägte mein Selbstverständnis: Egal was ich erreichte, es fühlte sich nie ganz genug an. Wenn ich etwas beendete, hätte ich es besser machen können. Wenn ich Erfolg hatte, war es vielleicht nicht die richtige Art von Erfolg. Wenn ich mich ausruhte, fühlte ich mich schuldig.

Dann begann ich zu malen.

Nicht nur Malerei, sondern abstrakte Malerei. Unordentlich, vielschichtig, intuitiv, unvorhersehbar. Es ging nicht darum, es „richtig“ zu machen. Es gab keine perfekte Vorlage, keine klare Ziellinie. Und das erschreckte mich.

Aber etwas daran zog mich auch an. Ich begann, Zeit mit Farben statt mit Ergebnissen zu verbringen. Ich begann, Texturen zu schichten, ohne zu wissen, was daraus werden würde. Ich folgte meinem Instinkt statt einem Plan.

Und ich bemerkte etwas: Ich fühlte mich frei.

Malen wurde mein Raum des Verlernens. Der einzige Ort, an dem ich etwas Unvollkommenes erschaffen, es trocknen lassen, später zurückkehren, es erneut übermalen, abkratzen, wiederaufbauen konnte. Ich hörte auf, jeden Schritt kontrollieren zu wollen. Ich lernte, das Bild sich entwickeln zu lassen.

Und damit begann auch ich, mich zu entwickeln.

Je mehr ich malte, desto mehr beruhigte ich die Stimme in meinem Kopf, die sagte, ich solle mehr sein, mehr tun, mehr beweisen. Ich brauchte niemanden mehr zu beeindrucken. Ich brauchte mich selbst nicht mehr zu beeindrucken.

Abstrakte Kunst wurde mein Heiligtum vor dem Perfektionismus.

Denn in der Abstraktion ist nichts verschwendet. Die Fehler werden Teil der Textur. Die Schichten verleihen Tiefe. Die Risse tragen Bedeutung. Das Werk wird ganz durch alles, was hineingeflossen ist, nicht nur durch die Teile, die an der Oberfläche gut aussehen.

Ein Gemälde im Besonderen erinnerte mich zutiefst daran: Golden Wave Remixed. Ich malte es erstmals 2021. Eine Weile dachte ich, es sei fertig. Aber es passte nie so ganz zu mir. 2024 kehrte ich dazu zurück und überarbeitete die Farben und den Kontrast. Endlich fühlte es sich vollständig an.

Und doch habe ich es nicht gelistet. Nicht sofort.

Vielleicht war ich nicht bereit, es loszulassen. Vielleicht hielt ich noch an etwas fest – einer Erwartung, einer Angst, dem Bedürfnis, es „perfekter“ zu machen.

Aber jetzt sehe ich es so, wie es ist: eine visuelle Aufzeichnung des Prozesses. Eine Zeittafel in Textur. Eine Erinnerung daran, dass manchmal nicht das Kunstwerk sich ändern muss – sondern der Künstler.

Und das gilt für viele meiner Bilder. Manche haben Jahre gedauert. Manche warten immer noch. Manche habe ich übermalt, nur um etwas Wertvolles darunter wiederzuentdecken. Ich habe gelernt, dass zu wissen, wann etwas „fertig“ ist, Teil der Arbeit ist. Und so ist es auch das Loslassen.

Diese Lektion blieb nicht im Atelier. Sie kam mit mir. In mein tägliches Leben. In meine Art, wie ich Eltern bin, wie ich arbeite, wie ich pausiere.

Denn das Loslassen von Perfektion ist nicht nur eine künstlerische Entscheidung. Es ist eine Lebensweise. Und manchmal ist fertig besser als perfekt. Manchmal ist es das Mutigste, was man sein kann, genug zu sein.

Das ist es also, was mir die abstrakte Kunst gelehrt hat. Nicht nur, wie man etwas Schönes macht, sondern wie man mit dem, was ist, einverstanden sein kann. Wie man den Druck, perfekt sein zu müssen, loslässt. Wie man weicher wird.

Und vielleicht, nur vielleicht, wie man zu sich selbst nach Hause kommt.